Louis Carlos Bernal, Copyright 2019 Lisa Bernal Brethour und Katrina Bernal
Dos Mujeres (Zwei Frauen), Douglas, Arizona, 1979.
Elizabeth Ferrer ist Chefkuratorin bei BRIC, einer gemeinnützigen Kunst- und Medienorganisation in Brooklyn. Sie ist auch Autorin von Latinx Photography in the United States: A Visual History. Ferrers Familie ist mexikanisch-amerikanischer Abstammung, und sie ist in Los Angeles geboren und aufgewachsen. Sie liebte Kunst als Kind und wuchs während des Aufstiegs der Chicano-Bürgerrechtsbewegung auf und sah aus erster Hand, wie das Leben die Kunst prägte. „Eines der Dinge, an die ich mich erinnerte, als ich in der Grundschule war, waren die Wandgemälde in der Nachbarschaft. Als Kind hatte ich nicht viel Zugang zu Museen, aber das habe ich auf jeden Fall gesehen und ich habe gesehen, wie Kunst für sozialen Wandel und Gemeinschaft genutzt werden kann.“
Diese Idee von Kunst für den sozialen Wandel trug sie durch die Schule und in ihre Karriere als junge Kuratorin und Vorkämpferin für mexikanisch-amerikanische und lateinamerikanische Kunst. Wir haben mit ihr darüber gesprochen, wie die Entdeckung unterschätzter Latinx-Fotografen als junge Frau zu einer Plattform für sie und die Künstler selbst führte.
Max Aguilera Hellwig, mit freundlicher Genehmigung des Künstlers
Wie sind Sie auf die Fotografie aufmerksam geworden?
Ich habe mich in der High School zur Fotografie hingezogen und angefangen, viele Bilder zu machen. Ich ging nach Wellesley für Kunstgeschichte und dann nach Columbia. Als ich Kunstgeschichte studierte, gab es in Bezug auf Latinx-Kunst, Chicanx-Kunst oder mexikanische Kunst sehr wenig, worauf ich sehr neugierig war. Als ich nach New York zog und anfing, mit zeitgenössischer Kunst zu arbeiten, interessierte ich mich sehr für die Kunstszene und fing an, nach Mexiko-Stadt zu reisen. Dort lernte ich Künstler kennen und kuratierte ab den 1990er Jahren eine Reihe von Ausstellungen über mexikanische Kunst und Fotografie für Veranstaltungsorte in den USA. Ich liebe die mexikanische Fotografie und verfolge sie immer noch, aber mir wurde klar, dass es Latinx-Fotografen gab, die näher an ihrem Zuhause waren und wichtige Arbeiten machten. Ich begann mit einer Organisation namens En Foco in New York zu arbeiten, die in den 1970er Jahren von einer Gruppe nuyorischer Fotografen gegründet wurde. Durch En Foco wurde ich auf zahlreiche Latinx-Fotografen in den USA aufmerksam, die im Großen und Ganzen vom Diskurs über das Medium ausgeschlossen wurden. Ihre Arbeiten sind aus Museumssammlungen weitgehend ausgeschlossen, sie waren weder in großen Übersichtsausstellungen amerikanischer Fotografie noch in Fotogalerien zu sehen. Es gab einfach sehr wenig Sichtbarkeit für diese Fotografen. Ich beschloss, an diesem Buch zu arbeiten, um diese Lücke im Verständnis der Geschichte der amerikanischen Fotografie zu schließen.
Was ist Ihnen bei Ihrer Arbeit mit der mexikanischen Fotografie aufgefallen?
Ich ging als junger Kurator nach Mexiko und dachte, ich würde eine Ausstellung zeitgenössischer mexikanischer Künstler kuratieren, die in den Vereinigten Staaten zu sehen sein würde. Ich war ziemlich grün. Ich kannte die Leute dort nicht wirklich, aber ich fing an, in die Galerien zu gehen. Es gab eine Galerie, die eine Einzelausstellung mit Fotos von Flor Garduño hatte, und sie war diese junge, aufstrebende traditionelle Fotografin, sehr stark in der Schule einer modernistischen Schwarz-Weiß-Fotografie, die in Mexiko sehr stark war für einen Großteil des 20. Jahrhunderts. Es ist sehr poetisch. Ich war beeindruckt von ihrer Fotografie und kaufte ein Foto aus der Show.
Chuck Ramirez, mit freundlicher Genehmigung des Nachlasses von Chuck Ramirez.
Dia de los Muertos, aus der Serie sieben Tage, 2003.
Hatten Sie das Gefühl, dafür kämpfen zu müssen, dass Museen oder Galerien in den Vereinigten Staaten diese Arbeit anerkennen?
Zu Beginn meiner Karriere hatte ich das Glück, dass in den Vereinigten Staaten ein starkes Interesse an mexikanischer Kunst bestand. Das Columbus Quincentennial fand 1992 statt, ich war auch an einer großen Ausstellung des Museum of Modern Art beteiligt, wo ich Mitherausgeber eines Katalogs für eine Blockbuster-Ausstellung war, Latin American Art of the Twentieth Century. Grundsätzlich wollte jedes Museum eine Ausstellung mexikanischer oder lateinamerikanischer Kunst. Ich hatte Glück, es war zur richtigen Zeit am richtigen Ort und ich konnte viele Ausstellungen und Projekte machen. Aber es gab viel weniger Interesse an Latinx-Kunst und -Fotografie zu dieser Zeit; das hat viel zeit gekostet. Das Interesse war einfach nicht so stark, und das hat viel Zeit gekostet. Sicherlich ist in den letzten Jahren das Interesse an afroamerikanischer Kunst und in gewissem Maße auch an Latinx-Kunst gewachsen. Die Leute beginnen, diese Kluft zwischen dem, was sie wissen, und dem, was sie nicht wissen, zu erkennen, und es besteht ein Wissensdurst über alles, was mit Latinx zu tun hat.
En Foco wurde 1974 von einer Gruppe puerto-ricanischer Fotografen gegründet, die dieselben Probleme mit der Sichtbarkeit hatten. Sie klopften an Türen, bekamen aber keine Aufträge von den Mainstream-Medien. Und sie bekamen ihre Arbeit sicherlich nicht in Museen, aber sie sahen weiße Fotografen, die es waren. Ein gutes Beispiel dafür ist Bruce Davidson, dessen Buch East 100th Street, das einen verarmten Block in Harlem dokumentiert, veröffentlicht wurde, als gleichzeitig afroamerikanische Fotografen über genau diese Gemeinschaft berichteten. Das gleiche geschah in East Los Angeles, wo ich aufgewachsen bin. Während der Bürgerrechtsära der 1960er Jahre gab es viele Proteste und Demonstrationen, zusammen mit einem Drang nach ethnischem Stolz und größerem politischem Bewusstsein unter den Latinx-Leuten. Und wissen Sie, die Zeitschriften berichteten über viele dieser Demonstrationen, aber sie schickten Magnum-Fotografen in diese Viertel. Die lokalen Fotografen, die ihr Leben Tag für Tag damit verbrachten, diese Gemeinden zu fotografieren, berichteten ebenfalls über diese Dinge, aber ihre Arbeit wurde nicht landesweit gesehen.
Als ich mich in den 1990er Jahren bei En Foco engagierte, waren sie sehr aktiv und organisierten Ausstellungen, gaben Fotografen Stipendien für neue Arbeiten und veröffentlichten das Magazin Nueva Luz. So wichtig En Foco auch ist, es ist immer noch nicht Mainstream. Es ist immer noch eine große Herausforderung, diese Mainstream-Berichterstattung zu erreichen. Ich hoffe, dass mein Buch dazu beiträgt, diesen Fotografen große Aufmerksamkeit zu verschaffen, aber es ist nur ein Anfang.
Viele dieser Fotografen in dem Buch sollten eine Monographie über sie haben, sollten Einzelausstellungen haben. Viele dieser Fotografen sind recht erfolgreich, aber viel Glamour, der mit lateinamerikanischer Kunst in Verbindung gebracht und von großen Institutionen wie dem MoMA adaptiert wurde, ist für Latinx-Fotografen nicht passiert.
David Gonzalez, mit freundlicher Genehmigung des Künstlers
Tänzer, Mott Haven, August 1979.
Heutzutage gibt es viele Organisationen, die Mainstream-Medien mit weniger bekannten Fotografen verbinden, da fallen mir Diversify Photo und Indigenous Photo ein. Sehen Sie den Unterschied in den letzten Jahren?
Ich denke, es hat sich sehr verändert, da wir von der Betonung von Print auf Digital umgestellt haben. Das war eine große Veränderung. Im Druck gab es immer einen Pförtner. Es gab kleinere Publikationen wie Nueva Luz, aber das konnte nie mit Hochglanz-Mainstream-Publikationen konkurrieren.
Sobald sich der digitale Raum mit der Verbreitung von Online-Nachrichtenseiten und -Blogs geöffnet hat, wird beispielsweise eine Organisation, die sich den Rechten der Indigenen verschrieben hat, eher einen indigenen Fotografen einstellen, der vielleicht in dieser Gemeinschaft lebt oder einen langfristigen Wohnsitz hat diese Gemeinschaft. Die andere große Verschiebung ist natürlich der Aufstieg von Social Media, und so viele der Fotografen, auch die älteren, haben Instagram-Feeds und können diese als Plattform ohne Gatekeeper, ohne Filter nutzen, um ihre Arbeiten zu präsentieren.
Was die Sichtbarkeit dieser Fotografen angeht, macht mir immer wieder Sorgen, der Fotomarkt. Es gibt mehrere mexikanische Fotografen, Persönlichkeiten wie Manuel Álvarez Bravo oder Graciela Iturbide, die einen starken Markt haben, deren Arbeiten man in kommerziellen Galerien sieht. Aber Latinx-Fotografen sind von kommerziellen Galerien weitgehend ausgeschlossen, es gibt nur wenige. Gerade für Fotografen, die in den 1980er und 1990er Jahren entstanden sind, war das einfach nicht Teil ihrer Erfahrung. Sie konnten ihren Lebensunterhalt durch Lehren oder Stipendien verdienen, aber nicht durch den Verkauf ihrer Arbeiten. Die Sache mit der Galerie ist wichtig, weil ein guter Galerist die Person ist, die Ihnen hilft, die Museumsausstellungen zu bekommen, der hilft, die Arbeit in die ständige Sammlung zu stellen. Der Ausschluss von Latinx-Werken aus Galerien und aus diesen Aspekten der kommerziellen Fotografie behindert ihre Fähigkeit, ihre Arbeit langfristig und dauerhaft zu präsentieren. Was passiert mit diesen Werken, wenn Künstler sterben? Was passiert, wenn diese Arbeit aus kommerzieller Sicht nicht gewürdigt wird?
Michael Ganter
Melissa Armijo, Eloy Montoya und Richard „el Wino“ Madrid, Albuquerque, 1983.
Zurück zu dem, was Sie über Latinx-Fotografen gesagt haben, die ihre Augen hinter die sozialen Themen des Tages setzen. Welche Rolle spielen Latinx-Fotografen Ihrer Meinung nach heute bei der Berichterstattung über diese aktuellen politischen Themen?
Es ist die Grenze, aber es ist auch der Status der Puertoricaner. Es geht um Migration und Gerechtigkeit. Es gibt Fotografen in dem Buch, die ihr Objektiv in den Dienst der Farmarbeiter stellten, die in den 1960er Jahren in Kalifornien auf eine Gewerkschaftsbewegung drängten. oder jemand wie Hiram Maristany in New York, der Fotograf der Young Lords, der puertoricanischen Aktivistengruppe. Aber ich finde, dass all diese Fotografen, auch die jüngeren Generationen, die bewusst mit künstlerischen oder konzeptuellen Ansätzen arbeiten, immer noch diese politische Haltung bewahren, den Wunsch, ihre Gemeinschaft zu reflektieren. Besonders erwähnen möchte ich Harry Gamboa und seine Hauptserie Chicano Male Unbonded. Er begann diese Serie, nachdem er eine Radiodurchsage gehört hatte, dass die Polizei nach einem Chicano-Männchen suchte. Diese Stereotypisierung des jungen mexikanischen Amerikaners als kriminell, ähnlich wie junge afroamerikanische Männer dämonisiert werden, war der Funke für ihn, diese große Serie von Porträts von Chicano-Männern unterschiedlichen Alters und Berufes zu schaffen, die einfach im Rahmen stehen . Einige von ihnen sind Schauspieler, Anwälte, Tänzer, Richter, Priester, und er hat sie absichtlich in der Abenddämmerung fotografiert, manchmal aggressiv oder selbstbewusst in die Kamera geschaut und Sie gezwungen, sich Ihren Stereotypen zu stellen.
Christina Fernandez
Links, Nr. 2, 1919, Portland, Colorado; rechts, #6, 1950, San Diego, Kalifornien, aus Marias großer Expedition, 1995-96.
Was möchten Sie, dass die Leser gewinnen, wenn sie verstehen, wie wichtig es ist, eine visuelle Geschichte der USA durch eine Latinx-Linse zu sehen?
Dieses Buch porträtiert über 80 Fotografen und erzählt eine Geschichte, die bis ins 19. Jahrhundert zurückreicht. Es ist wichtig, dass die Leute sehen, dass wir nicht nur ein Teil dieser Geschichte waren, sondern dass wir innerhalb dieser Geschichte innovativ waren. Es gibt zum Beispiel eine ganze Reihe von Latinx-Fotografen, die in den 1980er und 1990er Jahren arbeiten und deren Arbeit sehr vorausschauend ist, wie digitale Werkzeuge heute von Fotografen verwendet werden. Ich möchte, dass die Leute die einzelnen Fotografen sehen und kennenlernen und ihre Arbeit schätzen. Ich hielt es für wichtig, ein Buch über Latinx-Fotografen zu schreiben, weil sie so unsichtbar waren, aber letztendlich müssen diese Latinx-Fotografen als amerikanische Fotografen angesehen werden. Sie sind Teil der Geschichte der amerikanischen Kunst, der amerikanischen Fotografie. Ich glaube nicht, dass die ganze Geschichte der Fotografie geschrieben wurde, es wird so viel ausgelassen.
Damit diese reichere, lebendigere Geschichte der amerikanischen Fotografie geschrieben werden kann, muss sie mehr Latinx-Fotografen, afroamerikanische Fotografen, asiatisch-amerikanische Fotografen und queere Fotografen umfassen. Diese Geschichte war bisher in ihrer Definition zu eng gefasst.
Ricardo Valverde, mit freundlicher Genehmigung von Esperanza Valverde
Porträt des Künstlers als jüngerer(er) Mann, 1991.
Hiram Maristany, mit freundlicher Genehmigung des Künstlers
Delilah Montoya, mit freundlicher Genehmigung des Künstlers
Karen Miranda de Rivadeneira, , mit freundlicher Genehmigung des Künstlers
Mama heilt mich von meiner Angst vor Leguanen, indem sie mich in den Park mitnimmt und sie jedes Wochenende füttert, ca. 1994, 2012.
Jesse A. Fernandez, mit freundlicher Genehmigung des Nachlasses von Jesse A. Fernandez, Sammlung Frankreich Mazin Fernandez.
